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Hamnet: antes do palco, a vida

Marcela Gasparini Rebello — Fri, 06 Mar 2026 19:10:22 +0000

Hamnet: antes do palco, a vida

Dirigido por Chloé Zhao, Hamnet não é uma biografia tradicional de William Shakespeare, nem uma tentativa direta de explicar a origem de Hamlet. O filme prefere caminhar por outra direção: retorna ao momento anterior à consagração, quando a vida ainda não havia se transformado em dramaturgia.

Ambientada na Inglaterra do século XVI, a narrativa nos coloca em um período de profundas transformações sociais. Como explica o professor de História Márcio Vaccari, trata-se de um século “cercado de feudalidades e heranças medievais”, em que apenas parte da elite experimentava os ventos do Renascimento, enquanto a maioria da população permanecia ligada ao trabalho rural ou às cidades que cresciam sem planejamento.

Esse contexto histórico ajuda a compreender que a maneira de viver, sentir e organizar os vínculos era diferente da atual.

Um outro olhar sobre família e infância

Segundo Vaccari, “o próprio conceito de infância data do período pós-Revolução Industrial”. Isso significa que a forma como compreendemos hoje a infância e os laços familiares não era a mesma naquele tempo. As expectativas de vida eram outras, assim como as relações cotidianas.

O filme não dramatiza excessivamente os acontecimentos. Em vez disso, observa o que permanece depois deles: o silêncio na casa, os pequenos gestos, a reorganização da rotina. A narrativa acompanha Agnes e William Shakespeare em um momento íntimo, antes da fama, antes do teatro consolidado.

Mais do que contar um fato histórico, Hamnet investiga como certas experiências transformam o olhar de quem as vive.

Antes da palavra, a experiência

A proposta do filme dialoga com uma ideia do filósofo Michel Foucault: cada época constrói seus próprios modos de organizar o discurso e de dar sentido ao mundo. Antes de virar texto, a experiência é sensação, deslocamento, mudança interna.

Shakespeare, aqui, não aparece como o gênio monumentalizado pela história. Surge como alguém atravessado por uma vivência que ainda não encontrou forma. A arte não nasce como explicação imediata, mas como elaboração simbólica.

Vaccari reforça que a literatura sempre foi um caminho privilegiado para compreender as sutilezas de uma época. “A produção literária constitui uma fonte histórica capaz de revelar traços e sutilezas que documentos institucionais são incapazes de fornecer”, afirma. No caso de Shakespeare, essa dimensão é ainda mais evidente: o dramaturgo investigava sentimentos universais, ambição, conflito, amor, dilemas morais, que ultrapassam o seu tempo.

Silêncio como linguagem

A estética de Zhao aposta em pausas, paisagens e enquadramentos contemplativos. Não há pressa em oferecer respostas ou em transformar a experiência em espetáculo. O filme sustenta o tempo da elaboração. Essa escolha dialoga com reflexões do filósofo Byung-Chul Han, que aponta como a sociedade contemporânea tende a evitar o silêncio e a negatividade, buscando sempre narrativas rápidas de superação. Hamnet segue na direção oposta: permite que o espectador permaneça no intervalo entre o vivido e o narrado.

Ao colocar Agnes no centro da história, o filme também amplia o entendimento sobre a origem da criação artística, deslocando o foco do palco para o ambiente doméstico, do público para o íntimo.

A vida como matéria da arte

No fim, Hamnet não pretende afirmar de forma direta como surgiu Hamlet. Ele propõe algo mais amplo: investigar como a vida, com suas experiências profundas e silenciosas, começa a se transformar em linguagem.

Antes da fama e da consagração, existe o humano. E é dessa matéria, feita de memória, tempo e transformação, que a arte encontra sua forma.

Em um tempo em que tudo precisa ser rápido, explicado e imediatamente compartilhado, Hamnet lembra que algumas experiências exigem silêncio, maturação e profundidade. Talvez seja justamente nesse espaço, onde a vida ainda não virou discurso, que nascem as obras capazes de atravessar séculos.

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Zootopia 2: diversidade, empatia e a arte de conviver

Marcela Gasparini Rebello — Thu, 08 Jan 2026 14:26:25 +0000

Zootopia 2: diversidade, empatia e a arte de conviver

No primeiro Cinema Comentado do ano, partimos de uma pergunta que parece simples, mas carrega um mundo dentro dela: o que uma animação pode revelar sobre quem somos? Com a chegada de Zootopia 2 aos cinemas, somos convidados a ir além das cores vibrantes, do humor afiado e do ritmo acelerado. Por trás dos animais falantes e das cenas de ação, existe uma narrativa que fala baixo e justamente por isso, alcança fundo.

A continuação retoma um universo que nunca tratou a diferença como detalhe. Antes mesmo da estreia, já se anunciava como uma história sobre convivência, escolhas e afetos, disfarçada de fábula moderna. Em Zootopia, os conflitos não rugem nem correm apenas pelas ruas da cidade: eles atravessam relações, expectativas e sentimentos que reconhecemos como nossos.

O filme nos provoca sem apontar o dedo, nos conduz a um olhar para dentro e a perguntar, com honestidade: como reagimos ao que foge do nosso padrão? Até onde conseguimos confiar no outro, mesmo quando ele é diferente de nós? E como aprendemos a lidar com nossas emoções dentro das relações que escolhemos construir?

Talvez seja isso que faz Zootopia 2 tocar adultos e crianças ao mesmo tempo: ele fala de crescimento, escuta e convivência, temas antigos, essenciais, e mais atuais do que nunca.

Judy Hopps e Nick Wilde: imperfeitos como a vida real

Judy Hopps e Nick Wilde são o coração pulsante de Zootopia não apenas pelo carisma, mas pelo que simbolizam, uma vez que eles encarnam nossas contradições mais comuns: o desejo de acertar, o medo de falhar, a dificuldade de confiar. Não são heróis idealizados. Discordam, tropeçam, ferem e são feridos. E é justamente aí que o filme ganha espessura: na recusa de relações perfeitas e na aposta em vínculos reais.

A dinâmica entre os dois revela algo essencial sobre as relações humanas: conviver não é apagar diferenças, é sustentá-las sem romper o laço. Amizade, assim como qualquer relação significativa, exige escuta, paciência e a coragem de se deslocar do próprio ponto de vista. Não se trata de concordar sempre, mas de permanecer em diálogo.

Nesse sentido, o filme sugere que duas subjetividades distintas não apenas podem coexistir, como podem construir algo que nenhuma delas alcançaria sozinha. A diversidade, aqui, não aparece como um problema a ser administrado, mas como uma força criadora, um lembrete de que o encontro com o diferente amplia o mundo.

Essa leitura encontra eco em pensadores que compreenderam o “outro” como condição de transformação. Para Martin Buber, é na relação, no espaço do entre, que o humano se constitui. Já Hannah Arendt nos lembra que viver em pluralidade não é uma ameaça, mas o fundamento da vida em comum. No longa-metragem, Judy e Nick aprendem exatamente isso: que errar, discordar e até se machucar não inviabiliza a amizade, pode, ao contrário, torná-la mais profunda e consciente.

Assim, Zootopia 2 reafirma uma ideia antiga e urgente, tanto para a educação quanto para a vida em sociedade: a diversidade não é um obstáculo a ser superado, mas uma potência que só se revela quando há empatia, diálogo e disposição para aprender com o outro. Simples, clássico e ainda revolucionário.

Zootopia como espelho da sociedade

Se o primeiro Zootopia já nos mostrava como preconceitos podem estar escondidos nos detalhes do cotidiano, Zootopia 2 amplia esse olhar. A cidade dos animais aborda temas como história, pertencimento e exclusão social quando introduz a narrativa sobre uma parte esquecida da comunidade, os répteis, que foram deixados de lado no desenvolvimento da metrópole. Essa história paralela é uma metáfora para as injustiças históricas e a importância de reescrever narrativas que deixaram muitos de fora.

Mais do que falar de “coexistência”, o filme nos pergunta: Estamos dispostos a compreender as raízes do nosso próprio medo do diferente? E, sobretudo, a olhar para quem foi deixado para trás na história?

Preconceito, medo e empatia

As jornadas de Judy e Nick são atravessadas por julgamentos apressados, quase sempre ancorados na espécie, na tradição ou no medo do que parece ameaçador. Nada muito distante do que acontece fora da tela. O filme expõe como preconceitos se infiltram nas relações de forma silenciosa, muitas vezes travestidos de costumes, expectativas sociais ou histórias prontas que repetimos sem perceber.

Na animação, o preconceito não surge como vilania explícita, mas como hábito. E é justamente aí que mora seu perigo: ele se manifesta quando alguém é reduzido a um rótulo antes mesmo de ser escutado. Ao colocar seus personagens diante dessas tensões, o filme revela que o medo do outro costuma nascer menos da diferença em si e mais da recusa em conhecê-la.

Quando a narrativa aposta na construção gradual da confiança, ela propõe algo maior do que entretenimento: uma ética da convivência. Não uma ética abstrata, mas cotidiana, feita de escolhas pequenas e decisivas, ouvir antes de reagir, questionar o próprio olhar, escolher ajudar quando seria mais fácil se afastar. A empatia, aqui, não é discurso bonito; é prática.

Essa ideia ecoa um pensamento profundamente popular e, justamente por isso, poderoso. Em O Pequeno Príncipe, de Antoine de Saint-Exupéry, lemos que “é o tempo que dedicaste à tua rosa que a fez tão importante”. Em outras palavras, o vínculo nasce do cuidado, da atenção e da disposição de se aproximar, nunca da pressa em julgar. Zootopia 2 atualiza essa lição ao mostrar que só há convivência possível quando se aceita o risco do encontro.

Assim, o filme nos lembra que empatia não é concordar com tudo, nem eliminar conflitos, mas sustentar relações mesmo quando o medo tenta falar mais alto. Uma lição antiga, quase óbvia, e exatamente por isso tão necessária em um mundo que insiste em simplificar o outro antes de compreendê-lo.

O que Zootopia nos ensina sobre nós mesmos

No fim das contas, Zootopia 2 confirma aquilo que perguntamos no início: um desenho animado pode, sim, dizer muito sobre nós mesmos. Não porque ofereça respostas fáceis, mas porque nos devolve perguntas essenciais, embaladas em cores, humor e delicadeza. Como todo bom espelho, o filme não distorce, amplia. Mostra o que somos quando escolhemos ouvir, quando erramos, quando julgamos rápido demais e quando, apesar disso, seguimos tentando conviver.

A cidade ideal que o filme sugere não nasce pronta nem é isenta de conflitos. Ela se constrói no gesto cotidiano, na conversa possível, na decisão consciente de enfrentar os próprios preconceitos em vez de projetá-los no outro. É uma ética do encontro, simples e exigente, que começa dentro de cada um e se espalha pelas relações que cultivamos.

Em um tempo em que as diferenças se tornam cada vez mais visíveis e, muitas vezes, mais tensionadas, Zootopia 2 nos convida a desacelerar o julgamento e aprofundar o olhar. Uma conversa que merece atravessar as salas de aula, o recreio, a mesa de jantar e, claro, este espaço do Cinema Comentado: com atenção, escuta e a coragem de deixar o coração participar da reflexão.

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Até que ponto somos livres quando aceitamos ser observados o tempo todo?

Marcela Gasparini Rebello — Wed, 19 Nov 2025 13:56:17 +0000

Até que ponto somos livres quando aceitamos ser observados o tempo todo?

Há mais de um século, Franz Kafka imaginou um homem despertando após uma metamorfose impossível. Décadas depois, George Orwell imaginou um mundo cujo ar parecia atravessado pela vigilância absoluta. Mas agora, imagine acordar e perceber que tudo ao seu redor; cada gesto, cada palavra, cada silêncio, pode estar sendo observado. Não por uma figura ameaçadora nem por uma entidade onisciente, mas por milhares de olhares anônimos, atentos, conectados a você o tempo todo.

E imagine que, em vez de fugir desse olhar, você passa a desejá-lo. A acreditar que ser visto é ser valorizado, que a visibilidade é a forma mais eficaz de existir.

É justamente nesse terreno inquietante, onde tecnologia e desejo se entrelaçam, que O Círculo nos convida a entrar. O filme funciona como um experimento social que revela como a promessa sedutora de transparência e conexão pode, pouco a pouco, se transformar em uma nova forma de controle: mais sofisticada, mais silenciosa e infinitamente mais eficaz.

O filme e suas bases

Lançado em 2017 e dirigido por James Ponsoldt, O Círculo apresenta uma crítica direta à lógica de hiperconexão contemporânea. O enredo gira em torno de uma empresa que promete integração total entre pessoas, experiências e dados, abrindo espaço para questões urgentes: vigilância, privacidade e controle social.

Para o professor de História da Escola Monteiro, Márcio Vaccari, esses são temas fundamentais para discutir com os alunos. Ele destaca duas dimensões centrais: (1) o uso responsável da tecnologia e (2) o modo como nossos comportamentos passam a ser monitorados e moldados por corporações.

Segundo ele, “os mecanismos tecnológicos têm criado sistemas de vigilância de conduta e postura moral, que analisam o que postamos, como nos colocamos e até nossas escolhas, muitas vezes influenciando decisões que deveriam nascer da experiência, não das determinações corporativas”.

A análise do filme dialoga diretamente com as reflexões foucaultianas sobre poder e panoptismo. A narrativa atualiza, em ritmo digital, um tipo de vigilância que não opera mais pela coerção, mas pela adesão voluntária.

Vaccari destaca que essa preocupação com vigilância e coleta de dados está longe de ser nova: “Desde os anos 1990, intelectuais alertavam que a nascente internet poderia se tornar um instrumento de monitoramento. Mesmo sem redes sociais, ela já traçava perfis dos indivíduos. O Círculo expõe justamente esse ponto: como dados podem ser utilizados para controlar escolhas, condutas e até fragilidades pessoais.”

A herança distópica e o espelho contemporâneo

A discussão que O Círculo suscita ecoa obras clássicas como 1984 (Orwell), Admirável Mundo Novo (Huxley) e Nós (Zamiatin), que exploraram sociedades moldadas pela vigilância ou pela sedução. Na ficção mais recente, livros como Little Brother (Doctorow) e Feed (M.T. Anderson) trazem o controle para o terreno digital, ampliando o debate.

Ao relacionar essas obras ao cotidiano dos estudantes, Vaccari lembra que “os jovens já nascem inseridos nesse contexto, oferecendo voluntariamente seus dados e criando conteúdos que alimentam a rede. Muitos não percebem que essa ‘segunda existência virtual’ passa a determinar comportamentos, consumos e até percepções de si mesmos”.

Para ele, esse é um dos pontos mais produtivos para discutir em sala: como a vida digital, muitas vezes invisível para quem cresce dentro dela, vai moldando identidades, hábitos e horizontes de escolha.

Nós (Evgeni Zamiatin), Admirável Mundo Novo (Huxley) e Admirável Mundo Novo (Huxley)

A estética da vigilância

Em Vigiar e Punir, Michel Foucault descreve o panóptico como uma máquina de produzir sujeitos que se autocontrolam. Em O Círculo, esse mecanismo aparece transformado em tecnologia: o projeto SeeChange promete “transparência total”, convertendo a exposição voluntária em virtude, enquanto o olhar panóptico deixa de ser imposto e torna-se desejado.

Byung-Chul Han, na contemporaneidade, aprofunda essa discussão ao afirmar que vivemos numa “sociedade da transparência”, em que o oculto é visto com desconfiança e a exposição se torna imperativo moral. Assim, o que antes era disciplina agora é desempenho: mostramos porque queremos agradar, pertencer, existir.

Vaccari vê nesse ponto uma chave para o debate: o filme, segundo ele, usa uma narrativa simples e didática para mostrar como a sedução da tecnologia pode nos levar a perder vínculos e relações concretas, substituídas por interações mediadas. “Os jovens precisam refletir sobre como as relações físicas têm sido desconstruídas e substituídas por dinâmicas virtuais”, observa.

Quando questionado sobre cenas marcantes, ele destaca elementos do cotidiano da protagonista: o carro simples, as dificuldades financeiras da família, a relação ambivalente com a corporação, elementos que revelam como as big techs constroem uma sensação de bem-estar que mascara formas de dependência e controle. “As relações entre empregadores e empregados não são harmonizadas por ambientes coloridos ou supostos benefícios emocionais”, afirma. O filme revela esse conflito com clareza.

A questão central

Para Vaccari, o que deve guiar a discussão com os alunos não é condenar a tecnologia. “A tecnologia é boa”, afirma. “Não podemos voltar ao passado e culpá-la pelo uso que se faz dela. A questão não é buscar a felicidade na tecnologia, mas usar a tecnologia para alcançá-la de forma consciente.”

Sua expectativa é que o filme desperte nos alunos a capacidade de pensar criticamente sobre corporações, algoritmos e mecanismos de exposição contínua. Que eles questionem o que publicam, por que publicam e como suas ações alimentam sistemas que, muitas vezes, atuam sem transparência.

Essa visão reforça a reflexão final do texto: O Círculo mostra que a vigilância contemporânea não se impõe; ela seduz. Ela promete pertencimento, acesso, fluidez e, justamente por isso, é fácil confundir exposição com liberdade. Talvez a pergunta que atravessa o filme: até que ponto somos livres quando aceitamos ser observados o tempo todo?, não encontre resposta simples. Mas talvez a questão mais urgente seja outra: por que sentimos tanta necessidade de sermos vistos?

Ao integrar a ficção com a análise filosófica e com as observações do professor Márcio Vaccari, percebemos que o filme é menos um alerta distópico e mais um espelho incômodo. Um convite a observarmos nossas próprias escolhas digitais, nossas entregas invisíveis, nossos desejos por visibilidade.

No fim, como lembra Vaccari, a tecnologia não é vilã. O perigo reside no uso concentrado dela para controlar comportamentos. A verdadeira liberdade talvez comece quando nos tornamos capazes de olhar para esses mecanismos, e para nós mesmos, com consciência crítica.

Texto: Deivid D´Paula

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Guerreiras do K-Pop: O que há de mais humano em nós?

Marcela Gasparini Rebello — Fri, 10 Oct 2025 11:59:53 +0000

Guerreiras do K-pop: o que há de mais humano em nós?

Sob o brilho das luzes do palco e o som pulsante do pop coreano, nasce uma história onde a música é mais do que espetáculo, é poder, identidade e resistência. “Guerreiras do K-Pop”, animação que conquistou o mundo, transforma o glamour do entretenimento em cenário para uma batalha épica entre o bem e o mal, onde o ritmo é a arma e o coração, o verdadeiro campo de guerra.

Meses após sua estreia na Netflix, o filme se consolidou como um fenômeno cultural. Dominou paradas musicais, encantou plateias ao redor do globo e figurou entre as produções mais assistidas da plataforma. Sua trilha sonora ascendeu ao topo da Billboard 200, e o hit “Golden”, composto por Ejae, permaneceu por sete semanas consecutivas na Billboard Hot 100.

Na trama, o grupo vive uma rotina dupla: ídolas veneradas pelo público e caçadoras de demônios nas horas vagas. A missão, porém, ganha contornos ainda mais desafiadores quando os vilões da trama decidem entrar em cena, literalmente, formando o grupo rival Saja Boys. A batalha, então, se estende para além das armas espirituais: é uma guerra de notas, coreografias e corações, travada nas paradas de sucesso e na alma dos fãs.

Misturando brilho, ritmo e fantasia, a animação mergulha fundo na cultura pop coreana, oferecendo entretenimento e sendo, também, um retrato vibrante da juventude em busca de voz e pertencimento.

Na Escola Monteiro, essa energia encontra eco, transformando-se em inspiração para o teatro, música e arte.

O filme se torna ponte entre arte e cotidiano, permitindo que os estudantes explorem temas de identidade, colaboração e coragem através das linguagens que já fazem parte do seu universo.

O teatro como espelho da vida

No universo de Huntrix, o palco é o território onde as personagens equilibram suas duas identidades: artistas admiradas e guerreiras secretas. Essa dualidade dialoga diretamente com o conceito teatral de “máscara”, explorado nas aulas de artes da Escola Monteiro, em que o palco se torna um espelho simbólico da vida, lugar de criação, experimentação e descoberta.

Para Renata Piona, professora responsável pela Oficina de Teatro da Escola Monteiro, o contato dos jovens com o teatro vai muito além da encenação. “O contato com experiências teatrais estimula o acesso às emoções. Esse contato consciente com os afetos permite um autoconhecimento e certa maturidade, e essa bagagem certamente contribui para que os jovens atravessem as transformações e desafios de maneira mais preparada”, explica.

O palco, nesse sentido, torna-se uma extensão da vida, um espaço onde os estudantes aprendem a nomear emoções, lidar com frustrações e celebrar conquistas, desenvolvendo uma consciência mais profunda sobre quem são e sobre o que os move.

A arte como encontro de linguagens

Essa dimensão transformadora se amplia ainda mais quando o teatro dialoga com outras expressões artísticas. Para Sandra Bastos, professora de artes no Ensino Fundamental I na Monteiro, a integração entre diferentes linguagens como música, teatro e artes visuais é o que torna a experiência artística tão potente. “A integração promove vivências completas, em que as diferentes formas de expressão dialogam entre si”, explica Sandra. “Esse encontro amplia a criatividade e o repertório dos alunos, permitindo que cada linguagem complemente a outra.”

Sandra enxerga na arte uma ferramenta de autoconhecimento e afirmação. “Ela possibilita que os jovens experimentem linguagens diversas para se conhecerem, se expressarem e se afirmarem em sua identidade”, conta. “É um espaço de descoberta e de fortalecimento, especialmente nesse período de tantas mudanças que é a adolescência.”

Cultura pop e a força da coletividade

Fenômenos da cultura pop, como o K-pop e produções audiovisuais como Huntrix, são também pontes entre o universo dos estudantes e as práticas pedagógicas. Tanto Renata quanto Sandra reconhecem o poder desses elementos contemporâneos para aproximar o aprendizado da vivência real dos jovens. “Esses fenômenos podem ser o ponto de partida para conectar os interesses dos jovens à arte”, observa Sandra. “Assim, o aprendizado se torna mais próximo, mais vivo e, principalmente, mais significativo.”

Diferente de muitas narrativas ocidentais que celebram o herói solitário, a animação analisada destaca o heroísmo coletivo. As integrantes da Huntrix só alcançam a vitória quando atuam em sintonia, aprendendo a equilibrar suas habilidades, diferenças e emoções. Essa força nasce do encontro, e não da individualidade.

Essa perspectiva encontra eco em valores da filosofia oriental, especialmente no Confucionismo, que defende a harmonia social como base do equilíbrio do mundo. Como dizia Confúcio, “quando há harmonia no grupo, há ordem no mundo.” No universo da Huntrix, e nas práticas artísticas da Escola Monteiro, esse princípio se manifesta na convivência, na escuta e no reconhecimento do outro como parte essencial do processo criativo.

Renata complementa essa visão ao destacar o papel da coletividade no fazer teatral: “O teatro precisa da cooperação para acontecer. Nas aulas, os alunos percebem que, se não houver colaboração, o jogo não acontece. Com isso, o senso de grupo e empatia cresce à medida que compreendem que o fazer teatral depende do envolvimento generoso de todos.”

No contexto escolar, essa visão ganha ainda mais sentido: o aprendizado é também um exercício coletivo. A cooperação e o respeito mútuo são os pilares que permitem que cada estudante descubra seu lugar no grupo e, ao mesmo tempo, no mundo.

Um espaço seguro para criar e refletir

Ambas concordam que o ambiente seguro é a base para que o potencial artístico floresça. “As atividades teatrais só acontecem porque existe um ambiente favorável para que os alunos explorem e vivenciem toda a potencialidade que o teatro oferece”, afirma Renata.

Esse espaço protegido e acolhedor é o que permite que os estudantes se arrisquem, se reinventem e expressem sentimentos com autenticidade, vivenciando no palco experiências que refletem os desafios e as descobertas da realidade.

O olhar crítico e a arte como transformação

Para além do palco, o teatro e as artes visuais também cumprem um papel fundamental na formação do olhar crítico. “Ao interpretar, os alunos ampliam seu universo, buscando outras formas de enxergar o mundo. A dramaturgia tem papel essencial, enquanto literatura, nessa formação crítica e social”, explica Renata.

Sandra complementa esse pensamento ao reconhecer o poder da arte como agente de transformação: “Ela fortalece a autoestima, a empatia e os vínculos. Aqui na Monteiro, isso aparece nos projetos colaborativos e no entusiasmo dos alunos em criar juntos.”

Ainda que o trabalho com arte envolva desafios, como manter o engajamento e lidar com a diversidade de linguagens, Sandra acredita que o ganho é imenso: “Ver os jovens se tornando mais criativos, críticos e participativos compensa qualquer dificuldade.”

Medo e coragem.

No fim, como nas batalhas de Huntrix, o palco se revela um campo simbólico de luta e conquista não entre o bem e o mal, mas entre o medo e a coragem de ser quem se é. Na Monteiro, cada cena encenada e cada obra criada reforçam a arte como uma poderosa aliada na formação de indivíduos sensíveis, criativos e conscientes de seu papel no mundo.

Assim como nas apresentações da Huntrix, em que música, dança e teatro se entrelaçam, o trabalho artístico na Monteiro é marcado pela integração entre linguagens. Esse diálogo entre diferentes formas de expressão, tão presente nos momentos de troca, como nas oficinas e aulas conduzidas por Sandra Bastos e Renata, amplia o olhar dos estudantes e potencializa a criação.

Cada projeto se transforma em um campo fértil para experimentações, em que o corpo, o som, a palavra e a imagem se unem para expressar ideias e sentimentos. Nessa intersecção, o aprendizado ganha movimento e profundidade: a arte deixa de ser conteúdo e passa a ser experiência.

Chegando ao fim

Ao assistir “Guerreiras do K-Pop”, somos envolvidos por uma história cativante e personagens carismáticos e podemos nos ver refletidos no palco da ficção. Cada cena é um convite à reflexão sobre o poder da amizade, o valor do trabalho em equipe e a importância de enfrentar os medos com coragem e criatividade.

Mais do que diversão, o filme inspira pensamento crítico e autoconhecimento. Ele provoca os estudantes a olharem para si mesmos e para o mundo com sensibilidade, reconhecendo na arte uma ferramenta de transformação pessoal e social.

Assim como a Huntrix enfrenta suas batalhas com música, movimento e coragem, cada estudante pode encontrar, na arte, um caminho para dar voz aos próprios sonhos e para transformar o que o cerca. Porque, quando a criação é compartilhada, o palco se torna um território de comunhão, em que cada gesto artístico ecoa como um ato de esperança.

E é nesse espaço, por meio do medo e da coragem, entre o real e o imaginário, que nasce o verdadeiro poder da arte: a capacidade de revelar o que há de mais humano em cada um de nós.

Texto: Deivid D’Paula

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A Viagem de Chihiro: fantasia, identidade e o salto no escuro

Marcela Gasparini Rebello — Thu, 07 Aug 2025 18:33:13 +0000

A Viagem de Chihiro: fantasia, identidade e o salto no escuro

Você se lembra da primeira vez em que precisou crescer de repente? Daquele momento em que tudo parecia estranho, novo, quase mágico e assustador ao mesmo tempo? E se o amadurecimento fosse como atravessar um túnel, deixando para trás o conhecido, a infância, os pais… e entrando em um mundo repleto de enigmas, desafios e descobertas?

É esse o convite que “A Viagem de Chihiro” nos faz. Dirigido por Hayao Miyazaki e lançado em 2001 pelo Studio Ghibli, o filme é uma animação japonesa que encantou o mundo ao conquistar o Oscar de Melhor Animação, o primeiro da história para um filme falado em outro idioma que não o inglês. Mas sua força vai muito além dos prêmios.

Por trás das criaturas excêntricas, das paisagens fantásticas e da atmosfera onírica, o longa revela uma jornada de transformação: a travessia sensível e simbólica da infância para a vida adulta. Chihiro, a protagonista, se perde em um mundo mágico e é justamente nesse processo que ela se encontra. Nesse percurso, somos convidados a refletir sobre identidade, coragem, pertencimento e o poder de atravessar o desconhecido.

Sobre o que é o filme?

A história acompanha Chihiro, uma menina de 10 anos que está se mudando de cidade com os pais. No caminho, a família entra em um parque aparentemente abandonado. Ao comerem um misterioso banquete, os pais são transformados em porcos. Assim, Chihiro percebe que está em um mundo mágico repleto de desafios e criaturas fantásticas. Para conseguir escapar e salvar seus pais, a protagonista precisa, literalmente, lembrar quem ela é.

Chihiro é renomeada como Sen por uma bruxa poderosa, como forma de roubar sua identidade e impedi-la de voltar ao seu mundo original, já que quem não lembra seu nome não consegue mais retornar. Desse modo, a menina é obrigada a trabalhar, enfrentar medos e amadurecer em tempo recorde. Tudo isso em um universo que mistura beleza e estranhamento.

Por trás da estética delicada e da narrativa fantástica, o filme toca em temas essenciais: quem somos, como nos tornamos quem somos e o que precisamos deixar para trás para seguir em frente.

Por meio dos símbolos e paisagens oníricas, a animação nos conduz por um universo que parece mágico, mas que, em muitos aspectos, ecoa o nosso. Cada criatura, cada transformação, cada escolha feita por Chihiro é também uma metáfora sensível para os desafios do crescimento e da construção da identidade.

Quando Chihiro tem seu nome trocado por Sen, não estamos diante de um simples artifício mágico narrativo, mas de um gesto que carrega implicações profundas sobre a constituição da identidade. A nomeação, tanto na filosofia quanto na psicologia, é um dos primeiros processos de individualização do sujeito no mundo. É por meio do nome que somos reconhecidos socialmente, que nos inscrevemos em uma história e construímos sentido sobre quem somos. A alteração do nome, portanto, marca o início de uma desconexão com a própria trajetória, um afastamento daquilo que nos constitui.

De acordo com William, a discussão acerca dos nomes, presente de forma marcante no filme, dialoga com reflexões recorrentes da filosofia da linguagem. Em A Viagem de Chihiro, a mudança de nome não é apenas um símbolo de transformação, mas uma ferramenta de controle. Ao renomear Chihiro como Sen, a bruxa Yubaba a insere em uma nova realidade e, também, altera a forma como ela é percebida, pelos outros e por si mesma. Quando um nome é alterado, o significado atribuído àquele ser também muda, afetando diretamente sua identidade e seus vínculos com o mundo.

Esse deslocamento de significado é o que leva os personagens a esquecerem quem são, pois sua essência fica obscurecida pela nova função que passam a exercer. O nome, nesse contexto, deixa de ser apenas uma palavra: torna-se uma chave para o modo como a vida é compreendida e vivida. Assim, a substituição dos nomes funciona como uma condição de aprisionamento, já que impede os personagens de se lembrarem da própria história e, consequentemente, de retomarem o controle sobre suas vidas.

Ao aceitar trabalhar na casa de banhos, Chihiro se adapta às regras daquele novo mundo e se transforma por meio da experiência concreta do esforço, da responsabilidade e do convívio. Seu crescimento não vem de habilidades extraordinárias, mas das escolhas que faz e dos vínculos que constrói ao longo do caminho.

Para o professor William, um dos méritos do filme está justamente em mostrar como o trabalho, enquanto prática coletiva e simbólica, influencia profundamente nossa forma de compreender e significar o mundo. “Um dos méritos do filme é demonstrar como a organização coletiva do trabalho é capaz de impactar de forma imprescindível na maneira como entendemos e significamos o mundo”, afirma.

Nesse sentido, não é por acaso que a substituição dos nomes ocorra no momento da assinatura do contrato de trabalho. A linguagem e o trabalho, explica o professor, “são os atributos humanos que servem como mediação nossa para com a realidade”. Ao perder seu nome e assumir uma nova função, Chihiro passa a habitar um novo lugar simbólico, onde precisa ressignificar a si mesma para sobreviver e, aos poucos, reencontrar sua essência.

Por isso, embora envolta em elementos fantásticos, dragões, espíritos e feitiços, A Viagem de Chihiro é, acima de tudo, uma narrativa sobre mudança, perda e amadurecimento. Uma obra que nos lembra que, mesmo quando tudo à nossa volta muda e parecemos ter nos perdido de nós mesmos, ainda é possível, com coragem e memória, reencontrar o caminho de volta para casa.

Texto: Sara Bendia, Revisão: Deivid D`Paula

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